jueves, 11 de junio de 2009

OSCAR D´LEON


Oscar Emilio León Somoza mejor conocido como Oscar D'León (Caracas, 11 de julio de 1943) es un exitoso cantante venezolano de salsa que ha alcanzado notable éxito en sus muchas giras realizadas por países del Caribe y Latinoamérica, y llevado su repertorio por países fuera del área de influencia tradicional de la música caribeña. Es conocido como el Sonero del Mundo y también como el Sonero Mayor y el "Faraón de la salsa" también es conocido mundialmente, como "El Diablo de la salsa".


Hijo de Carmen Dionisia Somoza y Justo León, creció en la populosa parroquia Caraqueña de Antímano en donde desde muy temprana edad comenzó a interesarse por la música caribeña y le gustaba interpretar a las grandes orquestas de la época, como el Trio Matamoros, La Sonora Matancera y la Billo's Caracas Boys, ha manifestado que siempre admiró particularmente a los intérpretes Benny Moré y Celia Cruz.Inició su carrera musical relativamente tarde, a los 28 años, luego de haber desempeñado, entre otros oficios, el de mecánico y taxista. Si bien se forma académicamente como topógrafo, nunca llegó a ejercer dicha profesión, dedicándose al transporte público como medio de sustento mientras incursionaba en varias agrupaciones musicales con diversa suerte. Su formación como intérprete del bajo fue autodidacta, sin embargo fue lo suficientemente buena como para lograr una posición de bajista con la agrupación que tocaba en la cervecería "La Distinción", en la que inicialmente solo cantaba en los coros, sin embargo, ante la ausencia del cantante principal del grupo antes de una presentación, D'León manifiesta su disposición para cubrir la vacante y dando fe de su conocimiento del repertorio se inicia como voz principal de la banda.


En 1972 el propietario del local donde Oscar se presentaba les anunció que prescindiría de sus servicios pues estaba en busca de una agrupación de mayor envergadura, una orquesta, posiblemente ante el furor que desde Nueva York hacía la naciente salsa, y debido a la inminente ampliación del local. D'León le ofrece al propietario la orquesta y así, Oscar fue buscando puerta a puerta, a algunos músicos con los que consideraba podía armar un conjunto con el que pudiera el local salir del apuro y acelera el proyecto de creación de la Dimensión Latina junto con el percusionista José Rodríguez, el trombonista César "Albondiga" Monge, el pianista Enrique "Culebra" Iriarte (que había sido antecedido en el grupo por Jesús Narváez) y José Antonio Rojas. Se estrenan el 15 de marzo de 1972 en "La Distinción". En 1973 la orquesta graba su primer disco de larga duración y tiene su primer éxito, el tema "Pensando en ti", por lo que son contratados para participar en las fiestas del carnaval de Maracaibo.
En
1974 se une a la orquesta el bolerista Wladimir Lozano, logrando la dupla una serie de éxitos que catapultaron a Oscar D'León como uno de los intérpretes más reconocidos de la música del Caribe. El primer gran éxito internacional de la agrupación fue "Llorarás", compuesto por el mismo Oscar. Los arreglos musicales de la orquesta siempre fueron de Monge y Oscar D'León. Éxitos como "La Vela", "Divina Niña", "Taboga", "Juancito Trucupey", "El frutero", "Parampampam" y "Dolor cobarde" entre otros dieron renombre a la orquesta y a Oscar tanto en latinoamérica como en otras latitudes.


En 1977 Oscar se separa de la Dimensión Latina y comienza la parte más exitosa de su carrera ahora como solista y con su propia orquesta; "La Salsa Mayor". De inmediato comienza a cosechar éxitos comerciales como "Mi bajo y yo", "El baile del suavecito", "Bravo de verdad".
Al proyectarse más su figura como solista, abandona también esta orquesta y forma "
La Crítica", donde unido al talento de pianista, compositor y cantante Mauricio Silva, daría un matiz musical especial a su sonido, tanto que lo haría referencia obligada y acompañante ideal de soneros internacionales con los que alternó en Venezuela y otras partes del continente, destacándose en el "Festival de Soneros" (Caracas, 1980) al lado de Johnny Pacheco y Pete "Conde" Rodríguez, Daniel Santos y otros, que ya reconocían la calidad musical del salsero venezolano. Se atrevió de hecho a grabar temas tradicionales cubanos, que versionó de forma particular, respetuosa y sobre todo, exitosamente, renovando mucho de los temas y "borrando" en ocasiones de la memoria colectiva las versiones originales de temas como "Mata Siguaraya", "Monta mi caballo", "El Manicero" y "Longina" entre otras.
En
1983 se presenta apoteósicamente en Cuba, haciendo realidad su sueño de juventud, y si bien la gira representó una gran satisfacción personal para el sonero (especialmente la presentación en el anfiteatro de Varadero), por otra parte le generó críticas del mundo musical caribeño que interpretaron la gira como un apoyo al régimen cubano, sin importar que el mismo cantante hubiese manifestado con anterioridad su rechazo a la dictadura de Castro y que su amor era por Cuba y por su música, a la que sentía que le debía toda su influencia. Incluso su amistad con Celia Cruz se vio afectada durante un tiempo. En cualquier caso, su visita a la isla contribuyó al renacer de la salsa en Cuba y pasado un tiempo las críticas se disiparon y D'León continuó su carrera en ascenso, añadiendo éxitos como "Detalles", "El derecho de nacer", "Mis hijos", "A él" o "Que se sienta", que lo colocaron de nuevo en los primeros lugares de las listas de ventas.
Luego de algunos problemas legales que lo llevaron momentáneamente a permanecer brevemente detenido y privado de libertad y ser cuestionado en los
medios de comunicación, decidió cambiar su imagen y presencia (desde esa época prefirió prescindir del calificativo de "El Diablo de la salsa"), pero su sonido, esta vez al lado del grupo Los Blanco, seguiría innovando y marcando pauta. De esta etapa es el tema "Que muchacho" y el disco "Auténtico" donde hay un mix homenaje a Benny Moré, en el que versionaría los temas "Francisco Guayabal", "Que bueno baila usted" y "Bonito y sabroso".
Posteriormente inicia su salto internacional, llevando su sonido y su puesta en escena a sitios tan remotos como
Japón y a escenarios tan importantes como el Madison Square Garden, el Poliedro de Caracas y el Teatro Teresa Carreño de la misma ciudad. Ya en esta etapa, el nombre de Oscar D'León se consagra como músico y se redimensiona, incorporando matices de "Latin Jazz" a sus acordes, que aparecerían así depurados y renovados, convirtiéndolo a su vez en invitado permanente de los más importantes festivales de jazz en el mundo. En esta etapa, alterna y graba quienes habían sido sus idolos de juventud: Celia Cruz, Eddie Palmieri y Tito Puente. Con estos dos últimos participa en el que se convertiría en la obra póstuma de Puente "Masterpiece/Obramaestra", donde interpreta los temas "Cielito lindo/Negrita" y "París Mambo".
Se presentó además como el compañero para cantantes de la nueva generación salsera que formaba parte, como él, del sello perteneciente a Ralph Mercado "RMM":
Linda Caballero "La India" con quien grabaría el tema "Hazme el amor" o José Alberto "El Canario" con quien grabaría "Llegó el sabor".
Oscar D'León se mantiene como uno de los artistas más respetado de su país y del continente. Con su orquesta propia formada por músicos diestros, presenta espectáculos donde frecuentemente lo acompañan algunos de sus hijos. Es uno de los mejores exponentes de la "salsa brava" en los escenarios internacionales y promotor, además, de un nuevo sonido influenciado por el jazz, que se ha ganado, al igual que él, el respeto de los fanáticos, medios y colegas.
Su capacidad de improvisar y la textura de su voz hacen de Oscar parte de lo mejor de la tradición Latina. En su país nativo
Venezuela es un ídolo, no solo como cantante y músico sino también como un hombre popular que sobre todas las circunstancias ha sabido ganarse fama y fortuna. Oscar D'Leon es uno de los artistas venezolanos más conocidos fuera de su país.
En
1988 graba con la orquesta Billo's Caracas Boys el tema "Ariel", como un doble homenaje al maestro Billo Frómeta y a Benny Moré de quién ha dicho en varias oportunidades que es su principal punto de inspiración, junto con la orquesta "La Sonora Matancera", reconociendo así mismo haber sido influenciado por la música de Eddie Palmieri.
Aparte de ser uno de los principales soneros en la actualidad, Oscar D'León es un formidable "showman" que da una energía tremenda a sus espectáculos con el baile con el cual anima cada una de sus presentaciones.
Ha grabado más de 50 álbumes con varios discos de oro, ha recibido numerosos premios y honores. En
1996, con el álbum "Sonero del Mundo" en colaboración con el músico cubano Willy Chirino lo hace obtener la nominación para el Grammy, una de las 8 que hasta el 2005 había recibido, sin lograr ganar el premio.
El
15 de marzo de 1998 la ciudad de Nueva York lo homenajeó nombrando esa fecha como el Día de Oscar D'León.
En el año
2000 participó en la banda sonora de la producción de Disney, "Las Locuras del Emperador" grabando el tema "Mundo perfecto".

FANIA IN AFRICA - RELIGION AFRICANA



Como ya deben saber los orígenes de la SALSA provienen de el Continente Africa donde se iniciaron los instrumentos de percusión, que evolucionados y modificados en los años 60 y 70 nos brindaban un resultado melódico bailable y agradable al oído.
Los antecedentes de dichos instrumentos y la cultura que viene plasmada en la salsa se encuentra entrelazada a la religión Africana, por ello, en muchos de los temas oímos nombrar palabras como, Eleggua, Shango, Obatala, entre otros estas no son simples palabras, son los nombres de las divinidades adoradas no solo en Africa si no en todo el mundo.
Como este espacio se encarga de brindar conocimiento y si ya lo tienen, enriquecerlo se presenta las descripciones de dichas palabras o la descripción de las divinidades ya nombradas.

ELEGGUA

El dueño de los caminos y el destino, es el que abre o cierra el camino a la felicidad. Es muy travieso. Su nombre significa el mensajero príncipe.

Elegua es el portero de todos los caminos, del monte y la sabana, es el primero de los cuatro guerreros junto a Ogun, Osun y Ochosi. Tiene 21 caminos y sus colores son el rojo y el negro.
Es valido aclarar que Elegua es conocido como el de los 201 y los 401 pues se mueve entre los angeles que están a la derecha (los 401) y los que están a la izquierda (los 201). Tiene el poder sobre ambos lados, controla los reinos del mal y del bien, el crea el balance entre las dos fuerzas a la vez que tiene dominio sobre ellas.
Muy notable es la coincidencia en los distintos panteones de la cultura global la existencia de una deidad que siempre recibe las ofrendas primero que el resto de las deidades. Deidad muy dada a hacer trampas. Deidad que comanda ejércitos. Deidad favorecida por el Dios superior de cada Panteón. Como ejemplo Ganesh en la religion Hindu representado con una cabeza de elefante o en la zona nórdica de europa Loki.

SHANGO (CHANGO)

Shangó es uno de los más populares Orishas del panteón Yoruba. Es considerado Orisha de los truenos, los rayos, la justicia, la virilidad, la danza y el fuego. Fue en su tiempo un rey, guerrero y brujo, quien por equivocación destruyó su casa y a su esposa e hijos y luego se convirtió en Orisha.
Orisha de la justicia, la danza y la fuerza viril, dueño de los tambores Batá, Wemileres, Ilú Batá o Bembés, del baile y la música; representa la necesidad y la alegría de vivir, la intensidad de la vida, la belleza masculina, la pasión, la inteligencia y las riquezas.

OFRENDAS A SHANGO (CHANGO)

Las ofrendas a Changó incluyen amalá, hecha a base de harina de maíz, leche y quimbombó, plátanos verdes, plátano indio, otí, vino tinto, maíz tostado, cebada, alpiste, etc. Se le inmolan carneros, gallos, codornices, jicoteas, gallina de guinea, palomas, etc

ORULA (ORUNMILA)

Orunmila, conocido también como Orula, es el orisha en la cultura yoruba y extendía a cuba que se le podría llamar afrocubana que simboliza la renovación, la transmutación, el cambio, lo misterioso, las fuerzas ocultas, las confrontaciones, los retos, los peligros de sumersión, los dramas pasionales, la envidia, las herencias y donaciones, las búsquedas difíciles, el inconsciente colectivo, el sueño, la magia y la muerte. Es simbólicamente representado con los colores amarillo y verde en sus collares y manillas. y en la cultura de africa se utilizan los colores cafe y verde
Dentro de la religion yoruba no importa si lo haces bajo la fórmula afrocubana o africana, lo importante es hacerlo correctamente y con un corazón limpio con la finalidad de actuar con rectitud y algo muy importante para todos los Aleyos o no iniciados dentro de la religion cuando ud consulte a un babalawo, a un olorisha , o alguna persona, ud tiene la obligación de aprender y de estudiar, lo poco o lo mucho pero conocer y aprender las bases de la religion y una vez iniciado aprender de sus mayores la mayor experiencia, si alguien te limita y te condiciona entonces estas en la casa equivocada los santos u orishas son para todo aquel que pida de su ayuda y por que no también los conocimientos



RICHIE RAY "EL EMBAJADOR DEL PIANO"


Ricardo "Richie" Ray (nacido el 15 de febrero de 1945) es un virtuoso pianista, cantante, arreglador, compositor y pastor de la iglesia evangélica. Se le conoce como "El Embajador Del Piano".

Ricardo Maldonado nació en Brooklyn, Nueva York de padres puertorriqueños. Vivían en la calle Hoyt. El padre de Ray, Pacifico Maldonado, fue un consumado guitarrista en su ciudad natal de Bayamón. Los padres de Ray le habían influenciado para tomar clases y comenzó a tocar el piano cuando tenía sólo siete años. Su vida a lo largo de la asociación con Bobby cruz inició cinco años después. Esta combinación fue el comienzo de uno de los dúos más grandes de salsa en la industria de la música salsa.
Asistió al Conservatorio de Música de Brooklyn, la famosa High School of Performing Arts, y la Juilliard School of Music. Esta experiencia sirvió para desarrollar y perfeccionar su formación musical. Además, se convirtió en compositor y arrglista de diversos géneros de música latina que fueron populares en aquella época la
Guajira, el Cha-cha-cha, el bolero y otros.

Ray izquierda Juilliard fué el grupo que en 1963 creó el mismo, después de sólo un año. Hizo esta opción para que pudiera organizarse y dedicarse a su propia banda. Este fue un año después se unió a Cruz en la primera voz. En 1964, firmó con Fonseca Records y lanzó su álbum debut, "Ricardo Ray llega-Comején". El álbum incluía el éxito canciones pendientes "Mambo Jazz", "Comején", "Viva Richie Ray", "El Mulato", "Suavito", "Pa' Chismoso Tú" y el bolero-cha "Si Te contarán". La famosa pareja grabó algunos de sus mejores trabajos durante el período que estuvieron con la etiqueta de Fonseca.
En 1968, Ray y Cruz habían estado juntos profesionalmente durante cinco años, había escrito la mayoría de sus canciones juntos, y por primera vez en el álbum de Los Durísimos, compartían la igualdad de facturación en un álbum. Este álbum tuvo éxitos como "Agallú", "Pancho Cristal", "Adasa", y "Yo Soy Babalú". Desde entonces la banda se convirtió oficialmente conocido como Richie Ray y Bobby Cruz.

En 1970, Ray y Cruz salieron de Nueva York y se mudaron a San Juan, Puerto Rico, por motivos profesionales y personales.
Ellos en sociedad abrieron un club nocturno, pero su gestión requería mucho de su tiempo. Poco después, decidieron vender el establecimiento pera centrarse en sus compromisos artísticos. Ese mismo año, Ray y Cruz firmaron con el nuevo
Vaya Records, una subsidiaria de Fania Records.
En 1971, lanzaron "Sonido Bestial", la primera noticia sobre
Vaya Records, y fue uno de sus mejores álbumes en esa etiqueta. El álbum fue oro, y les llevó a la parte superior de las carteleras radiales una vez más. Incluye éxitos como "Señora" de Joan Manuel Serrat, la versión del bolero de Gardel / Lepera tango "Volver", y la composición de Rubén Blades "Guaguancó triste", así como la salsa de James Taylor versión del "fuego y la lluvia". Este álbum también incluye su más impresionante y conocido hit llamado "Sonido Bestial", que tiene un sabor a disposición de latín de Chopin Estudio 10/12, y es considerado un clásico y obra maestra de la salsa.
En 1974, El Duo Dinámico ganó el título "Los Reyes de la Salsa" en el Coliseo Roberto Clemente en
San Juan, Puerto Rico. Durante un período de 12 horas, 24 grupos habían competido por el ansiado título, y Ray y Cruz salieron triunfantes. Los contratos comenzaron a surgir, las solicitudes de entrevistas y apariciones en televisión, e incluso en películas.

Todas estas cosas hablaron de éxito, pero Ray sufrio fuertes problemas emocionales durante este tiempo. La desesperación le llevó al alcohol y el uso indebido de drogas. Sin embargo quería cambiar su vida.
En agosto de ese año,sorprendió a muchos cuando anunció que él se había convertido en un nuevo "seguidor de Cristo"(cristiano evangélico).
A pesar de estos cambios, Ray y Cruz siguieron recibiendo el apoyo de sus fans. De 1976 fue puesta en venta su nuevo album: Reconstrucción Oro. El álbum incluyó su mega éxito "Juan En La Ciudad". Siguieron con "Viven" en 1977, De Nuevo "Los Durísimos" Una vez más (1980), y su versión final en
Vaya Records "Inconfundibles" (1987) en la que Ray y Cruz anunciaron su retiro de la Salsa. Todas estas versiones fueron exitosas.
La sinceridad de sus creencias cristianas no sólo se transmitió en su música. Tanto Ray y Cruz, son pastores, y han fundado más de 20 iglesias en todo
Puerto Rico y los Estados Unidos. Además, Ray fundó la Salvación Records como un apoyo para los cantantes de música cristiana. Luego, continuó su carrera musical a pesar de su gran amigo, Cruz, se había retirado.
En 1991, Ray y Cruz llegan a un acuerdo de reunirse para el concierto en
San Juan y de nuevo en Nueva York. Se reunió nuevamente en 1999 para el "Sonido Bestial" concierto en el Coliseo Rubén Rodríguez, ubicada en Bayamón, que cantó algunos de sus primeros éxitos junto con algunos de sus cantos religiosos y el concierto fue grabado en vivo. El resultado fue tan impresionante que se les ofreció un contrato por Universal Records, la grabación fue seleccionado como una de las mejores grabaciones de 1999. La pareja ha mantenido activo en la escena de la música desde entonces.

En 2000, Ray y Cruz celebraron una serie de conciertos en la Sala Antonio Paoli del Centro de Luis A. Ferré de Bellas Artes en San Juan. También fueron honrados con el Día Nacional de la Salsa en Bayamón. En 2002, Richie Ray y Bobby Cruz fueron incluido en el International Latin Music Hall of Fame.
Ray vive actualmente en la
Florida con su esposa y además de estar activo musicalmente, también es ocupado asistiendo a las iglesias. Ricardo "Richie" Ray se sigue considerando, junto con Eddie Palmieri y Papo Lucca uno de los mejores y más influyentes pianistas de todos los tiempos en la música Salsa. El 16 de agosto de 2008, Richie Ray y Bobby Cruz celebran 45 años en el negocio musical, con un concierto en el Coliseo José Miguel Agrelot. Antes de la presentación, el dúo tomó nota de que el concierto tendrá una duración de al menos tres horas. El dúo ha expresado que esta podría ser su último "gran concierto escala"

LAS CONGAS


La Conga (también llamada tumbadora), es un instrumento membranófono percutido; por tanto, es un instrumento de percusión. Nació en Cuba, derivando de los tambores Batá, evolucionado tanto en su diseño como en su ejecución. la concha de la conga lora es una cancion muy popular donde se habla de... de... de conchas!
Características y técnica
La conga se golpea solamente con las manos, sin ningún otro elemento percutor. Como la mayoría de los membranófonos latinoamericanos que han perdurado, su parche originalmente estaba hecho de cuero animal, pero actualmente se fabrica con plástico, lo que lo hace más resistente y le modifica sensiblemente el timbre. El ejecutante de congas puede tocar sentado o de pie. Es habitual que la conga se presente por pares sobre un trípode, como ocurre con las
timbaletas, aunque también las podemos encontrar con un formato de tres, cuatro y hasta cinco congas (lo cual no es tan habitual).
Posee características similares, en cuanto a la forma, a los
bongós, pero con una caja bastante más larga. Su técnica es notablemente diferente. Existen varios golpes: Quemao abierto, Quemao cerrado, tono abierto, tono cerrado, palma y dedos. En la escritura musical, cada uno de estos toques tiene un símbolo que los representa.
Ttipos de congas
Hay hasta 5 tipos de congas, que se diferencian por su tamaño y afinación, de más agudo a más grave:
Re-quinto: conga de cuerpo delgado de afinación aguda. Su función en la
rumba es improvisar.
Quinto: conga de cuerpo delgado de afinación aguda.
Macho, 3-2 ó Conga: de cuerpo mediano, se puede afinar de 2 formas: una es más aguda para poder tocar como tumbadora central en formato de 2 ó más congas; la otra es más grave para poder tocar únicamente esa tumbadora en la rumba.
Hembra o Tumbadora: afinación grave, su cuerpo es más ancho.
Re-tumbadora: es la más grave de todas, su cuerpo es más ancho que todas las demás.
Normalmente nos encontramos el formato de "Conga-Tumba" o´"Quinto-conga". En el caso de utilizar tres, lo más habitual es el formato "quinto-conga-tumba".
Las congas se manufacturan de distintos tipos de materiales. El más utilizado es la madera pero las hay construídas de
fibra de vidrio o "fiberglass"; hay modelos viejos manufacturados en metal. Los manufactureros más conocidos son Latin Percussion, Meinl y Pearl.
Congueros
Congueros destacados:
Ray Barretto, Mongo Santamaria, Candido Camero, Patato Valdes, Richie Flores, Eddie Montalvo, Tata Güines, José Luis Quintana "Changuito", Miguel "Angá" Diaz, y Giovanni "Mañenguito" Hidalgo Elio `pacheco.

LOS BONGOS

Los bongós (singular: bongó) son, a decir de un etnógrafo e historiador cubano— “la más valiosa síntesis en la evolución de los tambores gemelos lograda por la música afrocubana”. Su origen se remonta a la zona oriental de Cuba que conjuntamente con el desarrollo del son, alcanza su forma definitiva y mayor esplendor al llegar a La Habana a partir de 1909. Es un instrumento llamado de percusión menor. Membranófono compuesto por dos tambores de madera con un parche cada uno, con una diferencia de altura entre ellos generalmente de una cuarta o quinta. Los parches son ceñidos por unos aros y un sistema de tensión por llaves (en su inicio eran tensados mediante el calor del fuego o con cuerdas o correas). Los tambores van unidos por el costado con una pieza de madera, aunque antiguamente se hacía con una tira de cuero o una soga. Los tambores son de forma cónica y se ejecutan con los golpes de las palmas de la mano o con baquetas. El tamborcillo más pequeño es llamado macho y se coloca a la izquierda; quedando a la derecha el mayor llamado hembra. Generalmente se coloca entre las rodillas del ejecutante sentado, aunque también es muy utilizado sobre un atril. El/a ejecutante suele alternar su uso con el cencerro cubano, utilizado generalmente en el clímax del son, llamado el montuno.
Existe información que hace pensar que su origen proviene de unos tamborcitos hechos con duelas de madera de pequeñas bateas y cuero fino de venado utilizados para rezos a Elebwa (deidad de la religión afrocubana) o de otros, usados por pares, como ofrenda a los ibbeyis (deidades mellizas en los culto de santería). Otras informaciones hablan de conjuntos de son que utilizaban un solo tamborcito, que se sujetaba con una mano o sobre el brazo y se percutía con la otra. Más tarde el empleo de los dos tambores se lograba uniéndolos con una tira de cuero o una soga, colgándolos de una pierna del ejecutante sentado, quedando los tamboreas a ambos lados de la misma.
Su evolución ha estado muy ligada a la aparición y popularidad del son montuno cubano. A través de los conjuntos soneros llegaron a los salones de bailes y de ahí a las grandes orquestas. Con el éxito de esta música en la Cuba de
1920 el bongó sale de las fronteras cubanas y se establece definitivamente en el escenario internacional. El Trío Matamoros, Arsenio Rodríguez o Benny Moré han sido algunos de los artistas que con su talento contribuyeron a su definitiva universalización. En la actualidad se encuentran en orquestas que interpretan ritmos cubanos y latinoamericanos, comúnmente llamados salseros, por todo el mundo actual.

HECTOR LAVOE - VIDEO PERIODICO DE AYER

HISTORIA DE LA SALSA BRAVA


En los años 60, una oleada de ritmos de origen cubano se fusionan con el jazz. Izzy Sanabria, diseñador gráfico en los estudios de Fania, los une a todos bajo una misma denominación para eliminar confusiones y vender el concepto más fácilmente. Eligió salsa, término con el que se animaban a las bandas para aumentar la energía de la actuación.
La música salsa tiene una estructura determinada: introducción, fase melódica, fase de ritmo o percusión llamada
montuno, vuelta a la fase melódica y final. Las exclamaciones se usan para anunciar cambios de fase, especialmente en el montuno, que es la sección con mayor energía rítmica.
Francia, España y las colonias americanas: un antiguo antecedente de la salsa es la contrandanse bailada en Versalles, que pasó a la corte española, y de allí al Caribe, durante la colonización, ya con el nombre de "contradanza". La contradanse llegó a Haití y la contradanza a La HabanaOtro factor fundamental en el origen de la salsa lo constituyen los ritmos africanos que los esclavos africanos mantenían en sus ritos religiosos, conservación posibilitada por la asimilación de sus dioses, los orishas, a los santos católicos.Es importante también en la constitución de los ritmos salseros, la inmigración proveniente de Haití en Cuba. Una primera oleada introdujo la contradanza criolla, una versión criolla de la contradanse con influencia africana en la instrumentación y la interpretación. La segunda oleada de inmigrantes llegó a mediados del siglo XIX proveniente de la República de Haití, lo que contribuiría al nacimiento del son cubano.

miércoles, 10 de junio de 2009


Bobby Cruz (nacido el 1 de febrero de 1937) es un cantante de salsa y ministro religioso (pastor de la iglesia evangélica.


Cruz nació en Hormigueros, Puerto Rico y criado en el entorno humilde en la granja de su familia, su padre era un trabajador de los campos de caña de azúcar y luego se convirtió en un líder de un sindicato de trabajadores . Cuando un niño, sus padres se mudaron a Nueva York, donde fué educado, pues le gustaba cantar, considera al El Gran Combo emisor del estilo de música como el más influyente en su vida.


Unión con Richie Ray


En
Nueva York en el año 1964, encontró un cómplice, su vecino y amigo Richie Ray, con quien formó la Orquesta “Richie Ray y Bobby Cruz”. En el 1965 logran su primer éxito profesional: "Comejen". La fuerza de este tema empezó en Nueva York y como un poderoso germen se extendió a toda latinoamérica, desatando en las masas una euforia nunca antes experimentada. El público no podía evitar ser seducido por esa alegre música de extraña combinación: mambo, guaguancó, chá chá chá, pachanga, son montuno, guajira, jazz, y hasta música clásica. Entre 1964 y 1974, la vinculación de Richie Ray y Bobby Cruz se ha convertido en uno de los dúos más populares de salsa en el mundo. Ray y Cruz tienen una considerable influencia en el mundo de la música latina, y se le consideran uno de los mejores intérpretes y exponentes de la salsa.


Ángel Santos Colón Vega, cuyos padres fueron Francisco Vega y Felicita Colón vino al mundo un primero de noviembre de 1922, nació en la ciudad de Sabana Grande en Puerto Rico, tierra de grandes artistas.
Aun a temprana edad (tenía apenas un mes de nacido) sus padres resuelven mudarse para Mayagüez lugar donde desde niño comenzó a demostrar sus dotes artísticos.
En 1935 cuando contaba con apenas 12 años, Santitos se junta a Lester Cole y forman el “Dúo Juvenil”, a veces se presentaban con la variante nominal de “Dúo Azul”, las actividades de este dúo se restringían apenas a presentaciones a nivel estudiantil.
Pocos años mas tarde ingresa a la orquesta del saxofonista Frank Madera con quien se hizo profesional. Santitos, para ese entonces menor de edad, solo podía presentarse en shows diurnos o caso contrario en la recién creada radio WPRA donde también eventualmente se juntaba con el “Dúo Los Huastecos” donde se destacaba un emergente
Efraín “Mon” Rivera y German Vélez padre del cantor Wilkins (aquel del hit “Margarita” de la película “Salsa” con el ex-Menudo Robby Rosa). Con ellos efectuaba audiciones para la susodicha emisora radial donde interpretaba, vestido a rigor, rancheras mexicanas como un perfecto charro.


El primer disco como solista


De hecho, Santos Colón nunca dejó de lado a “El Jefe” (que era como el llamaba al maestro), por diversas veces participó de producciones de este como invitado especial así como también en presentaciones en vivo, la ultima que se tiene noticia fue en 1997 para las conmemoraciones de los 50 anos del timbalero mayor.
Tito Puente fue fundamental en la carrera artística de Santitos, no dejó que su aureola se apague cuando cerraron los salones de baile, asi que se inició la decadencia de las Big Bands en la década de los ’60, por el contrario, siempre llevaba al vocalista a todas las presentaciones en que era invitado, independientemente de que quien lo invitaba ya tuviera cantantes en su cuadro de componentes.
Fue así en las presentaciones en el Village Gate y en el Red Garter con los Tico y la Fania All Stars, al final del primer lustre de los ’60.

INGRESA A LA FANIA...

Mas tarde, en 1969 la Fania lo recluta definitivamente, (una vez superada la política de cazar jóvenes talentos latinos) y pasó a hacer parte oficial del grupo, participando invariablemente de las presentaciones de la referida agrupación.
Participó del histórico día en que la Fania se presentó en El Cheetah, también fue a Zaire, en el África, para el concierto previo à la lucha del siglo entre los boxeadores Muhammad Ali y George Foreman, andó también por el Japón y no se quedó afuera de la celebre presentación inacabada de la Fania All Stars en el Yankee Stadium.


A pesar de su reconocido talento para interpretar, Santitos tuvo dificultades en moldearse al nuevo concepto musical nacido en New York, la salsa.
Acostumbrado a desempeñar su papel de “crooner” Colón no se adaptó con comodidad a la nueva corriente, es mas, no sabemos si fue por opción propia (ya que prefirió grabar preponderantemente boleros en su fase como solista) o talvez si fue mal orientado, sabemos que por limitación no fue, pues cantaba como pocos cualquier ritmo, posiblemente mas por causa de esa identificación con el bolero es que no se le reconozca como un salsero en toda la acepción de la palabra.

PETE "CONDE" RODRIGUEZ


Pedro Juán Rodríguez Ferrer (Ponce, 31 de enero de 1933- Bronx, 2 de diciembre de 2000) Cantante puertorriqueño de Salsa. A Pete 'El Conde' Rodriguez no solo se le reconoce como uno de los más extraordinarios vocalistas en la historia de la salsa, sino también como el que mejor asimilo la esencia de los nacidos en Puerto Rico. Es por ello que en Colombia, Venezuela, Peru y otras plazas internacionales puntuales de la cultura salsera incluso Cuba, los conocedores suelen identificarlo como el más cubano de los soneros boricuas.
Este maestro de la rumba, el son, la salsa y el bolero antillano fue el segundo de los tres hijos procreados por Emiliano Rodriguez y Anatilde Ferrer Colón. Músico intuitivo. A la edad de diez años ya tocaba el bongó en el conjunto El Gondolero que dirigía su progenitor. A los trece años, fue a vivir con su familia al barrio latino, en Nueva York. En esta metrópoli transcurriría casi todo el resto de su vida. A los 17 años comenzó a trabajar en una imprenta, empleo que mantuvo hasta que fuera reclutado por el Ejército norteamericano para cumplir su servicio militar en el conflicto bélico de Corea. Durante dicho período (1953-1956) fue paracaidista de la Fuerza Aérea Estadounidense.
Tras su licenciamiento y regreso a la gran urbe, encontró acomodo en el conjunto de Johnny Soler. Poco después se unió a la Orquesta Oriental Cubana, cuyo repertorio seguía la más genuina tradición sonera. De aquella organización a otra enfocada en la misma onda: Los Jóvenes Estrellas de Cuba, dirigida por el trompetista y cantante Roberto Rodríguez, quien más adelante sería baluarte de la Orquesta de
Ray Barreto y la Fania All Stars. Su pasantía por esta agrupación cubrió el periodo entre (1959-1961). Fue entonces que tuvo la oprtunidad de grabar por primera vez.
Luego de figurar brevemente en la Orquesta Típica Novel, del pianista Willie Ellis (1961-1962), fue reclutado junto a Chirivico Davila y Monguito el único para remplazar a Rudy Calzado y Elliot Romero en la charanga De
Johnny Pacheco. A partir de entonces comenzaría su ascenso a la fama. De su primera etapa con chico colectivo datan exitasos como Suavito, Como Mango, Yo soy Guajiro, Alto Songo, Guachinango y Soy del Monte. Sin embargo, fricciones surgida con su compañero Monguito y él motivaron su salida de la exitosa Orquesta. Entonces se unió al Conjunto Sensación del pianista Ray Roig (1964-1966). Pero, cuando Monguito decidió pasar a las filas de la Orquesta de Larry Harlow, se reintegro a la charanga de Pacheco. El binomio que formó con éste, al que la fanaticada Salsómana conocería como La Perfecta Combinación y Los Compadres calificativo que aludía al titulo de uno de sus álbumes más exitosos, aunque también lo eran en la vida real, ha sido uno de los más impactantes e influyentes de la historia salsera.


JUNTO AL GRANDIOSO JHONNY PACHECO HIZO...

(1963) Suavito
(1964) Cañonazo
(1965) Pacheco At NY World Fair
(1966) By Popular Demand
(1967) Sabor Típico
(1968) Volando Bajito
(1970) La Perfecta Combinación
(1972) Los Compadres
(1973) Tres de Cafe y Dos de Azucar
(1981) Celia, Johnny & Pete
(1983) De Nuevo los Compadres
(1985) Jicamo
(1987) Salsobita
(1989) Celebración

COMO SOLISTA HIZO...

(1974) El Conde
(1976) Este Negro si es Sabroso
(1978) A Touch of Class
(1979) Soy la Ley
(1982) Fiesta con el Conde
(1990) El Rey
(1993) Generaciones
(1996) Pete y Papo

ADALBERTO SANTIAGO


Adalberto Santiago es un cantante mundialmente famoso de salsa.
Él nació el
23 de abril de 1937 en el barrio de Pozas de Ciales (Puerto Rico). La voz principal relajada y perfecta de Adalberto están entre lo mejor de la salsa, y por más de dos décadas él ha sesionad como corista en incontables grabaciones en Nueva York. Sus influencias tempraneras incluyeron a los vocalistas cubanos geniales Beny Moré y Miguelito Cuní (n. 8 mayo de 1920, Pinar del Río, Cuba, m. 5 marzo de 1984, Havana, Cuba). Santiago inició su carrera profesional cantando con tríos y tocando bajo y guitarra. Después de escatimar con las bandas de Chuíto Vélez, Willie Rodríguez y Willie Rosario, su carrera realmente dio un gran giro cuando él se unió a la banda de Ray Barretto. En tarde 1972, Adalberto y cuatro otros miembros de la banda de Barretto se fueron a fundar la Típica 73. Él apareció en tres de sus álbumes antes de que el desacuerdo sobre la dirección musical le dirija a él, y otros tres miembros de la banda musical se han separado durante la mitad de los 70s para fundar a Los Kimbos. Entretanto, Santiago cantó como vocalista principal en lo dos álbumes aclamados por la crítica de la charanga, Fantasia Africana/African Fantasy y Our Heritage - Nuestra Herencia, por el flautista, compositor y productor Lou Pérez.
Los Kimbos fue conceptuado para ser una banda en funciones resistente y tuvo un sonido reminiscente de ambos: la banda predividida de Ray Barretto y Típica 73. Con ellos, Adalberto grabó en 1976 Los Kimbos y The Big Kimbos With Adalberto Santiago en 1977. Ese año él hizo su debut de solo en Adalberto, que fue producido por Ray Barretto y comprendió dos de sus composiciones. Los Kimbos continuó bajo el liderazgo del timbalero Orestes Vilató y grabó dos álbumes más Hoy y Mañana (1978) and Aquacero Ne Me Moja (1979). Santiago fue principal voz en una pista en Louie Ramírez y sus Amigos por Louie Ramírez. En 1979, Adalberto y Ramírez co-produjeron su siguiente sencillo: Adalberto Featuring Popeye El Marino. El mismo año, él se reunió con Ray Barretto en Rican/Struction. Ray produjo el siguiente álbum de solo de Adalberto, Feliz Me Siento, el año subsiguiente. El miembro de la Sonora Matancera, Javier Vázquez, produjo, arregló, dirigió y tocó el piano en el rootsy Adalberto Santiago, el cual fue contribución de Adalberto para la reanimación de los principios de la salsa de los 80s (típico). En 1982, él se alió con el director de orquesta/bongosero Roberto Roena para Super Apollo 47:50. Santiago co-produjo Calidad con Papo Lucca, quien también tocó piano, arregló una pista del disco y supervisó la dirección musical. Su álbum Cosas del Alma fue un álbum de boleros exuberantes que incluyeron su tercera versión grabada del clásico "Alma Con Alma" (previamente contenido en los álbumes de Barretto The Message y Gracias). Él regresó a la más dura y ribeteada salsa urbana en 1985 con Más Sabroso.
Adalberto hizo su versión madura de salsa romántica en la clásica Sex Symbol, con la producción, arreglos, dirección musical y piano por el ubicuo
Isidro Infante. En 1990, él otra vez realizó Alma Con Alma, esta vez arreglada por Infante en un estilo de salsa romántica para el segundo álbum de Louie Ramírez denominado Louie Ramírez y sus Amigos. Santiago ha escrito canciones para un número de álbumes en los cuales él ha aparecido, ambos como director de orquesta y como solista, y ha proporcionado composiciones para otros artistas, tales como Joe Cuba. Adalberto sigue siendo el auténtico para sus raíces latinas y una declaración que él hizo en 1977 es todavía aplicable en los 90s: "Quiero llevar un mensaje verdaderamente latino a la gente; Esto es lo que yo hago mejor y la estructura de música latina es más conveniente satisfecha para mi estilo cantor".

ISMAEL MIRANDA "EL NIÑO BONITO DE LA SALSA"



Orígenes
Mostrando desde pequeño interés por la
música, a los 11 años formó parte de grupos de vocalización llamados "The 4 J's" y "Little Jr. and the Class Mates". Participó con ellos en varias actividades, incluyendo una de las primeras ediciones del espectáculo que celebraba Jerry Lewis para la Distrofia Muscular, en Palm Gardens.
En su continuo interés por la música, sobre todo el género afro-antillano, formó parte del
Sexteto Pipo y su Combo y del grupo Andy Harlow y su Sexteto. En el mismo cantó y tocó conga. En 1967, hizo su primera grabación discográfica con Joey Pastrana titulada "Let's Ball". En ésta, el entonces adolescente Ismael se anotó su primer éxito radiofónico, con "Rumbón melón".

Su época con Larry Harlow
Dada la buena impresión que causó sus actuaciones con Andy Harlow, el hermano de éste, Larry, decidió reclutarlo para su orquesta. Ismael Miranda inició su ciclo de grabaciones con el llamado "
Judío Maravilloso", en el álbum "El Exigente". Convencido del potencial del joven cantante, en 1968, Larry lanzó una nueva producción titulada "Orquesta Harlow presenta a Ismael Miranda". A renglón seguido, los aciertos se repitieron con las grabaciones "Electric Harlow", "Tribute to Arsenio Rodríguez", "Harlow's Harem", "Abran paso" y "Oportunidad".
Con Larry Harlow, Ismael incursionó también en el campo de la
composición, compartiendo créditos con éste en los temas "La revolución", "Guasasa", "Arsenio", "El malecón" y "Lamento cubano", entre otros.



La época Fania
A la edad de 19 años se integra en el grupo
Fania All Stars, convirtiéndose en el cantante más joven de los que componían este grupo, ganándose el apodo de "El Niño Bonito de la Salsa".
En pleno auge de la salsa, Ismael irrumpió con fuerza espectacular en las ondas, en 1973, al lanzar al mercado la producción "Así se compone un son". Este disco, editado por el sello Fania, marcó el inicio del cantante con su propia agrupación, la Orquesta Revelación. Con ellos tomó por asalto la cuenca del
Caribe, así como los mercados latinos de los Estados Unidos y Europa.
Posteriormente su carrera le dio innumerables aciertos en la música. Temas como "La cama vacía", "La copa rota", "Borinquen tiene montuno", "Como mi pueblo", "No me digan que es muy tarde" y "Las cuarentas" le ganaron amplia difusión en cadenas de radio.
En la composición también se anotó éxitos como "Señor sereno", "Abran paso", "Así se compone un son", "Lupe, Lupe" y "Pa' bravo yo", ésta última popularizada por el
sonero cubano Justo Betancourt.

Los años ochenta
En la década de
1980 grabó varias producciones con su sello discográfico independiente. En 1986 su grabación "Versos de nuestra cultura", junto al cantautor José Nogueras, fue uno de los grandes aciertos de la temporada navideña de ese año.
En
1988 anunció su intención de retirarse de los medios artísticos. Pero esa idea nunca llegó a cristalizarse.
Entrados los años 90, Ismael ha grabado con su propio sello discográfico, IM Records, y con la compañía
RMM. Y en las postrimerías de la década su unión a Andy Montañez en un proyecto discográfico de boleros del ayer, ha dado ya tres exitosas producciones en suelo nacional.

BIOGRAFIA JOSE (CHEO) FELICIANO


José "Cheo" Feliciano nació el 3 de Julio de 1935 y dió sus primeros pasos en firme en el campo de la música como estudiante de la Escuela de Música Libre en su nativa Ponce, Puerto Rico. A la edad de 17, se trasladó con su familia a Nueva York donde empezó su carrera profesional como percusionista con un grupo llamado "Ciro Rimac's Review". Pasó luego a trabajar con la orquesta de Tito Rodriguez, después como conguero con el Conjunto Marianaxi dirigido por el maestro Luis Cruz, y como percusionista con la orquestra de "Kako y su Trabuco". Por recomendación de Tito Rodriguez, Feliciano hizo una audición y obtuvo un trabajo con el Sexteto de Joe Cuba como vocalista. Con Joe Cuba obtuvo sus primeros éxitos en la radio. Temas como "A las seis", "El ratón", "Como ríen" y "El pito", marcaron su paso por el famoso combo Cubano; por un tiempo hizo una breve aparición con la orquesta de Eddie Palmieri. Al final de los años 60, Cheo decidió interrumpir su carrera en protesta por la guerra no declarada de los Estados-Unidos contra Vietnam. Después de un retiro de tres años, su carrera se reactivó con una grabación histórica titulada Cheo. Rompiendo todos los records de ventas, con el sello Vaya, se anotó éxitos con sus canciones "Anacaona", "Mi triste problema", "Pa' que afinquen" y "Si por mí llueve". Recibió numerosos premios por su esfuerzo, incluyendo el Front Page Award (Premio Primera Plana) del diario New York Daily News. De sus años de grabación con el sello Fania se produjeron éxitos como "Juguete", "Salomé", "Los entierros de mi gente pobre" y "Juan Albañil". Tambien formó parte del elenco de la primera opera salsa "Hommy". En los anõs 80, Cheo lanzó su propia compañia de producción de discos: Coche Records. Al entrar a la decada del 90 realizó varios proyectos importantes, incluyendose dos álbums con la Rondalla Venezolana y su trabajo en Cuba, del que editó el compacto: "Cheo en Cuba". A fines de 1999, Cheo editó una remarcable producción titulada "Una voz, Mil Recuerdos". En este trabajo, Cheo Feliciano rinde homenaje a figuras de la música como Tito Rodríguez, Ismael Rivera, Frankie Ruíz, Mon Rivera, Gilberto Monroig y Santitos Colón, entre otros. El álbum fué escogido como uno de los veinte mejores en 1999 por la Fundación Nacional de la Cultura Popular, por canciones como Camionero.

BIOGRAFIA HECTOR LAVOE - EL CANTANTE

EL CANTANTE

Héctor Juan Pérez nace de una familia humilde en Ponce, Puerto Rico. Hijo de Francisca Martínez (Panchita) y de Luis Pérez (Lucho). A sus 7 años de edad fallece su madre, y solo tres años despues fallecio su padre, el comienzo de muchos golpes en su vida. Desde niño le fue inculcada la música y a la edad de 14 años ya cantaba por su pueblo. A la edad de 17 años, impulsado por necesidades económicas y para mitigar el dolor que aún conservaba por el fallecimiento de su madre, se marcha a Nueva York a buscar un mejor futuro y sacar fruto de sus habilidades.
En Nueva York, Pérez Martínez conoció a Quio Callegari y a Johnny Pacheco, copropietario del sello Fania Records y formó parte de la banda del primero, logrando varios éxitos debido a la calidad interpretativa de la banda de Colón y el sonido especial que el puertorriqueño le imprimía a sus interpretaciones (mezcla de un estilo desafiante y callejero). En el circuito salsero de Nueva York esta banda fue conocida como The Bad Boys. El binomio formado por Willie Colón y Héctor Lavoe es considerado, tanto por la crítica como por los admiradores, como uno de los más importantes de la historia de la salsa.
Desde
1967 a 1973 produjeron varios discos, entre los que destacan La gran fuga, Cosa nuestra, Lo mato (Si no compra este disco), El juicio y los dos volúmenes de Asalto navideño, del que se consagraron canciones como Juana Peña, Barrunto, Calle Luna calle Sol, y La murga de Panamá (de donde, se asume, se acoplaron los arreglos de trombón para la salsa).
En 1973, Callegari decide dedicarse a la producción y su familia. Se separó de su banda, dejándosela a Héctor Lavoe. Más tarde, Willie Colón se uniría con el panameño
Rubén Blades para formar otro binomio exitoso en la salsa. A pesar de esta separación, Colón siguió colaborando con Lavoe en la producción de varios de sus álbumes como solista.
Desde 1975, Lavoe inicia su carrera y lanza los discos La voz, De ti depende y Comedia, que contenían canciones como Periódico de ayer, de la autoría de Tite Curet Alonso, y la canción que se convertiría en su estandarte, compuesta por Rubén Blades, El cantante. Durante esta época, Lavoe participó también en las giras que realizaba la Fania All Stars junto con las demás estrellas salseras de esa época.
Se hizo merecedor de apodos como "La voz" por su destreza para interpretar las canciones que otros, como el mismo Johnny Pacheco, compusieran para él. Además se le ha llamado "El hombre puntual" o "El Rey de la Puntualidad", gracias a un suceso en África, ocurrido por su afición a las fiestas, y también "El hombre que canta hasta debajo del agua", por su virtuosismo.
Hector siempre impartió un estilo único, nunca demostró aires de arrogancia y siempre fue humilde. Lanzo discos con éxitos como "Recordando a Felipe Pirela" (1979) "Feliz navidad", "El sabio" (1980), "Qué sentimiento" (1981), "Vigilante" (1983) el "Reventó" en (1985) con los temas: "La Vida es bonita" y "La fama". Además de las ya citadas, hizo famosas canciones como "El Todopoderoso", "Paraíso de dulzura", "Triste y vacía", "La verdad" "Un amor de la calle", "Mentira".
Pero el inicio de los años 80 estuvo marcado de eventos trágicos para Lavoe. La fractura de sus piernas al saltar por la ventana de su apartamento de
Queens debido a un incendio, fue un hecho que se conjugó con su adicción a las drogas para hacer de él un hombre sumido en la depresión y al borde del precipicio.
Los conciertos del llamado 'Cantante de los Cantantes' o 'Sonero de los Soneros', siempre rebosaron de gente y fanáticos. Sin embargo, la habilidad del cantante fue menguando, hasta llegar al extremo de cantar con una voz irreconocible y postrado en una silla en medio del escenario.
El domingo
26 de junio de 1988, luego de la suspensión de un concierto de Lavoe en Bayamón, Puerto Rico, y debido a la poca convocatoria, Héctor se retira deprimido al Hotel Regency de la Avenida Condado donde se hospedaba y se lanza al vacío del noveno piso. La caída no le produjo la muerte, pero sí la parálisis de medio cuerpo. Este sería su segundo brinco desde una edificación sin morir el primero por un incendio-. Aún en estado de parálisis parcial, Lavoe tuvo que cumplir con su contrato y presentarse a algunos conciertos producto de una manipulación por sus representantes, sin que su estado físico y emocional tuviese relevancia. La depresión en que se hallaba, por una vida llena de sobresaltos, la soledad en la que se encontraba en sus últimos días (pues apenas recibía visitas esporádicas de alguno que otro amigo), su situación económica, el crecer sin su madre, el asesinato de su hermano, la muerte de su padre, el asesinato de su suegra y la muerte accidental de su hijo fueron el empujón que faltó para que este artista cayera definitivamente.
Desde entonces permaneció retirado en
Nueva York, aunque el mismo año de su fallecimiento salió al mercado un último disco, Héctor Lavoe & Van Lester: The Master and the Protege.
Héctor Lavoe murió víctima del
VIH el 29 de junio de 1993 en el Memorial Hospital de Queens, cinco años después de su fallido intento de suicidio. Fue enterrado en el cementerio Saint Raymond de Queens, Nueva York, y nueve años después, tal como él mismo pidió, gracias a la gestión realizada por otro famoso cantante de salsa, compañero suyo, el señor Ismael Miranda, sus restos fueron llevados a su ciudad natal, Ponce en Puerto Rico.
Héctor Lavoe es considerado unánimemente como uno de los mejores cantantes que enriquecieron el género de la salsa. Es actualmente un icono de esa cultura y un ídolo en varias localidades, existiendo incluso un monumento en su honor en Ponce, Puerto Rico y otro en la provincia peruana de El Callao, donde es considerado como hijo ilustre. Su agitada vida personal y profesional fue llevada en 1999 al teatro con la obra ¿Quién mató a Héctor Lavoe? producida por Pablo Cabrera y David Maldonado, con la personificación de Héctor Lavoe realizada por el salsero
Domingo Quiñonez. Ocho años más tarde, en el 2007, sale El Cantante, película sobre la vida de Héctor Lavoe protagonizada por Marc Anthony y Jennifer López, un fracaso de cinta, que nunca refleja la realidad de El Cantante de los Cantantes. En la actualidad hay expectativa por la grabación de la verdadera historia de Héctor Lavoe que cuenta en el reparto con artistas como Raúl Carbonell y Paty Manterola; película de origen netamente Puertorriqueño.